Nouveau défi graphique Inktober : la liste de l'Association F. Hallé pour la Forêt primaire !

 

Au mois d'octobre, traditionnellement depuis plusieurs années, je me lance un défi graphique - à l'encre de préférence : dessin au trait ou en aplats au feutre fin ou au marqueur, à l'encre de Chine ou au stylo à bille... tout me va ! Je me propose alors, autant que possible, de dessiner un peu tous les jours du mois en suivant une liste "aléatoire" ou un thème décliné en 31 mots. Cette année, je n'ai pas pu résister à l'envie de suivre une autre liste que la mienne, celle de l'Association Francis Hallé pour la Forêt primaire publiée sur Instagram. La voici :

Lisière - Chat forestier - Amadouvier - Lucane Cerf-volant - Hêtre - Blaireau - Automne - Gélinotte des bois - Lichen - Sente - Pic à dos blanc - Ramure - Bryophyte - Ours brun - Mare - Loriot - Agroforesterie - Castor - Décomposer - Papillon Isabelle - Chauve souris - If - Truite - Clairière - Bouquetin - Pollen - Vigne rouge - Cigogne noire - Loup gris - Renaissance - Forêt primaire 

Comme j'ai d'autres projets en cours, il m'a été difficile cette fois-ci de produire une image pour chaque mot, dans le temps imparti. Sachant en plus que j'ai voulu aller au-délà d'une simple image, produire une belle illustration manifestant mon engagement et une appropriation du sujet, chaque oeuvre graphique que j'ai réalisée m'aura demandé un certain temps de création, entre :

- les recherches documentaires : J'ai dû me renseigner en effet sur un certain nombre de mots que je ne connaissais pas dans la liste, tels que amadouvier, gélinotte, bryophyte ou agroforesterie, par exemple. J'ai eu aussi besoin de chercher des informations à propos de notions connues, afin de me plonger dans le sujet avec le plus de proximité. Ainsi de blaireau, lichen, mare, renaissance ou encore, forêt primaire. J'en ai profité pour me constituer une petite bibliothèque numérique d'images photographiques - bien utile ! ;

- l'étape du crayonné : Pour trouver un bon rythme et fournir des productions pleines de fraîcheur, j'ai travaillé en trois étapes, la première - menée souvent tôt le matin, la recherche (dont je parle ci-dessus), la seconde est le crayonné  - que j'ai conduite le matin aussi, mais parfois le soir - et la troisième dont je parle ci-dessous ;

- et l'encrage en noir et en couleurs : Cette étape s'est passée en deux temps. Je commence par encrer en noir le personnage féminin déjà crayonné sur papier blanc de petit format, en usant d'un style épuré, stylisé - mais précis. Dans un second temps, j'ai porté mon attention sur le dessin du mot du jour lui-même, en le traduisant en couleur dans un style plus recherché, à la fois naïf et naturaliste et surtout, en couleurs ! 

Remarque : Toutes mes illustrations ont été terminées dans la soirée et prises en photographie dans la foulée - sous un lumière jaune, pour ne pas rater la date de publication correspondant au mot du jour. C'est pourquoi elles ont ce rendu un peu beige - rosé ; les couleurs de mes images sont pour leur part telles que je les ai voulues.

D'ailleurs, à propos de couleur, c'est la première fois depuis que je m'astreins à cette gymnastique graphique annuelle, que j'utilise autant d'outils graphiques traditionnels différents sur papier : crayon de couleur et crayon de couleur aquarellables, feutre fin noir et feutre de couleur, tampon artisanal, feutre pinceau et feutre Ecoline, stylo - feutre de couleur. Ce qui m'a guidée, c'est l'envie de rendre hommage à l'une de mes saisons préférées, l'automne, en jouant avec des teintes que j'aime observer : les rouges orangés, les verts brunâtres, les verts ou les marrons ordinaires, le jaune ocre. De temps en temps, sont venus s'ajouter des touche de roses.

       

Au final, j'ai pu proposer une petite dizaine d'illustrations satisfaisantes. Comme le défi est terminé sur Instagram, je me réserve le droit de poursuivre ce travail d'illustration pour moi-même. J'ai sept dessins crayonnés que j'aimerais pouvoir encrer bientôt. J'ai bon espoir de parvenir à terminer ce projet d'ici fin novembre - début décembre. On verra donc.😊 

Une belle affaire à suivre, n'est-ce pas ? A bientôt, alors ! 😉 

p.s : Curieux.se de découvrir mes autres défis graphiques Inktober ? Ce sera ici pour :

- l'Inktober 2025 : Hommage au journaliste, peintre et écrivain italien Dino Buzzati 

- l'Inktober 2024 : Le bruit des animaux  

- ou l'Inktober 2023 : A la lettre ou l'Abécédaire 

©ema dée 

Ma boutique EnEditionsLimitées sur Etsy, un an et quelques mois après...

Chères internautes, passionnés blogueurs !

Me voici de retour sur Le Horlart avec un nouveau sujet de réflexion qui a trait à la diffusion de mes productions, dessins d'art ou one shots, illustrations et impressions d'art. Je m'étais promis en effet de faire un point - bilan au bout d'un an d'expérience. J'ai un peu traîné, je l'avoue. 

Il y a un peu plus d'un an, je décide d'ouvrir une boutique en ligne, sur Etsy. Pourquoi faire, quoi vendre et pourquoi cette plateforme de e-commerce, et pas une autre ? Je vous réponds de suite.

Promouvoir son travail de création sur papier afin de faire des ventes, obtenir des contacts et ainsi étendre son réseau demande de développer des stratégies. Ces trois points constituent l'ensemble d'un même objectif : 1 - Être vue et reconnue ; 2 - Vivre de sa création, ou tout du moins, recevoir un complément de revenus appréciable. 3 - Développer des compétences capitalisables. Qu'il s'agisse au final de tenir salon, je veux dire, louer un espace d'exposition dans une manifestation d'arts, ou d'ouvrir boutique sur internet, même combat au départ ; il convient de pouvoir répondre aux questions suivantes : que proposer, comment le faire au mieux et pour atteindre qui, en fait ?

La réponse à pour qui atteindre ne peut être formulée qu'à-postériori. Sauf, s'il est possible de s'appuyer sur des expériences précédentes de ventes qui informent sur le type de public(s) touché et conquis - au point de vouloir acheter - par une oeuvre. Dans mon cas, parce que je me suis déjà retrouvée à tenir salon, à m'exposer, je pouvais légitimement avoir une petite idée de qui s'intéresse à ce que je fais au point de vouloir l'acquérir au prix proposé. Et partant de cette petite synthèse/ hypothèse, il devient possible de présupposer quels articles mettre en avant ? Je constate qu'il n'en est rien ; que je vende des one shots de petits format (A6, généralement) dans un salon comme SoBD, que mes impressions d'art réalisées avec patience et amour sur ma propre imprimante et sur des papiers de qualité, séduisent un public parisien friand d'images issues de livres en micro-édition, par exemple, ne garantit en rien que cela se produise aussi sur internet. C'est un fait établi. 

Car - j'enfonce des portes ouvertes, je réinvente l'eau tiède - , les internautes qui achètent doivent être captés.ées, sollicités.ées, régulièrement invités.ées en tout premier lieu, à venir visiter un espace d'exposition particulier, avec d'autres codes : le virtuel ! Le virtuel marchand, c'est pousser les portes d'une boutique à partir d'une adresse html, dont les étals faits en lignes de codes, sont à la fois évidents, présents, soignés mais intangibles, et où, enfin, les produits sont plats, réduits à deux dimensions par l'écran. Il faut par conséquent non seulement séduire, capter, retenir et influencer en rendant présents (sensibles !), les produits, mais aussi convaincre et créer de la confiance, fabriquer du lien (d'abord un lien émotionnel, qui se transformera peut-être après en un lien commercial). Avec de nouvelles régles et des outils adaptés à la vente en ligne.

Après, je pense qu'il existe différents profils d'acheteurs et d'acheteuses : il  y en a qui n'achètent que sur internet - pour un tas de raisons, que je citerai pas, on peut facilement se les imaginer, il y a d'autres personnes qui achètent par "recommandations" - ils. elles ont été redirigé.es vers la boutique en ligne, enfin, il y a les "touristes" qui arrivent par hasard portés.es  cependant par une curiosité ou par la recherche par rebond. Ouvrir une boutique, cela signifie peut-être d'identifier en amont qui l'on souhaite séduire à partir d'éléments de marketing... ce que je ne sais pas faire, et je crois en définitive, ce que je n'ai pas souhaité apprendre. Peut-être parce que je m'imagine mal en train d'envoyer deux mails par jour à un portefeuille de clients pas encore conquis. Peut-être que justement j'imagine mal ?

Au jour d'aujourd'hui, EnEditionsLimitees appartient au passé. Comme vous avez pu le remarquer, on n'y accède qu'à partir de ce premier article publié le 24 mars dernier et dans lequel j'annonce son ouverture - test. C'est aujourd'hui une affaire testée et classée et ce, pour différentes raisons (objectives - et probablement subjectives, je ne le cache pas) :

- Qualité des échanges avec la communauté ? : Je m'y suis très certainemet mal prise, mais je n'ai eu aucun véritable échange avec d'autres vendeurs ou vendeuses présents.es sur Etsy. Mes tentatives pour mettre en avant ma boutique, en m'inscrivant à des événements Etsy, afin justement d'avoir des échanges n'ont rien donné. On peut m'objecter :"Oui, mais combien de temps es-tu restée sur Etsy ?" Je réponds tout de go que le temps/ la durée n'a rien à voir. En me baladant sur cette plateforme, j'ai vu des vendeuses faire un chiffre de ventes important avec huit articles seulement en boutique, et ce en quelques mois. Le contraire existe, cependant : des vendeurs qui vendent beaucoup, proposant un grand nombre d'articles et qui sont sur Etsy depuis plusieurs années. Conclusion : pas de règles au regard de la durée ni de la quantité. La qualité, alors ? Des produits très certainement, du.de la vendeur.se aussi. Et j'ai rélalisé que pour le moment je suis dénuée de ces qualités-ci - dans ce contexte-là.

- Y a-t-il des désagréments à avoir une boutique Etsy ? : le tout premier désagrément que j'ai eu à subir, a été le harponnage, c'est-à-dire, des messages émanant soit-disant d'internanutes qui ont envie de m'acheter quelque chose : je reçois une notification comme quoi quelqu'un est en train de m'acheter une de mes oeuvres, et a besoin que je précise en urgence (ben, voyons !) mon numéro de carte bancaire. C'est un classique, apparemment, et Etsy prévient les nouvelles vendeuses que des messages frauduleux tels que ceux-là sont un peu monnaie courante : méfiance, méfiance donc ! (C'est un peu le lot des plateformes de e-commerce très en vue comme Etsy.) Je peux dire franchement qu'en un an, je n'ai quasiment reçu que ça, malheureusement. C'est assez décourageant. Surtout, ça a pas mal remis en question ce que j'essayais de mettre en place, une relation de confiance avec de futures acheteuses et de possibles acquéreurs de mes oeuvres en ligne, en suivant les conseils d'Etsy, par exemple : 

1° - Montrer mes articles sous différents angles, me photographier en train de les tenir, de les emballer pour bien montrer qu'ils existent réellement et qu'on peut les acquérir, vraiment. Cela prend du temps que je ne destine pas/ plus à ma création. Au début, cela m'a amusée, avec les semaines, les mois, par contre...  (Ce que je retiens ici, c'est qu'ouvrir une boutique, qu'elle soit en dur ou virtuelle, peut se révéler chronophage ; c'est en m'y mettant que je l'ai perçu plus concrètement. Et si on a tendance à faire les choses à fond comme moi, on peut estimer qu'il y a un déséquilibre entre l'investissement et le retour sur investissement si celui-ci se fait trop attendre.)

2° - Diffuser mon portrait vidéo réalisé dans mon atelier et au cours duquel je présente mon activité d'artiste et ma boutique. N'étant pas hyper rodée à l'exercice, j'avoue que si le résultat était là, un peu brut comme je le voulais, je ne suis pas certaine que ma vidéo ait eu beaucoup d'impact sur la perception des internautes. (Je me suis bien amusée à me parler à moi-même, c'est tout au final.) 

3° -  Multiplier les offres de tarifs promotionnels sur mes oeuvres grâce à des périodes de soldes, par exemple. Très honnêtement, quand on est artiste, proposer des réduction sur ses oeuvres qui deviennent du coup de "simples marchandises", j'ai eu un peu de mal à la longue. C'est pour cela qu'au fur et à mesure j'ai fini par ne proposer à la vente que des reproductions ou des impressions d'art de certaines de mes oeuvres. J'ai écarté les livres en autoédition, les oeuvres originales, les objets faits à la main... J'avais doucement et pernicieusement l'impression de me dévaluer.

Second désagrément, qui n'est pas des moindres : payer pour le maintien de fiches produits sur sa propre boutique. Je comprends qu'Etsy ait besoin de gagner de l'argent. Mais, j'ai commencé à trouver difficile le fait de raquer pour pouvoir vendre, alors que dans le même temps, je ne recevais que des arnaques déguisées via ma boutique Etsy. La confiance, ça marche dans les deux sens, je pense. Aussi, ai-je accepté ce principe de payer un peu, en me disant qu'il faut perdre pour gagner. Par contre, je me suis fixée une limite au-delà de laquelle je ne pourrai plus dépenser d'argent sans en recevoir de mes ventes. J'ai arrêté l'animation et l'entretien de ma boutique quand cette limite a été approchée.

Troisième désagrément : Le/ mon manque de savoir-faire, la panique, le trop-plein d'amerturme... Quand tu reçois sur 10 notifications d'une vente probable 9 situations d'arnaque fort probables, tu ne sais plus vraiment si celle qui reste va aboutir. Et dans mon cas, je pense que j'ai traité cette potentielle vente par-dessus la jambe tant j'ai été dégoûtée par le fait de recevoir beaucoup d'arnaques. Donc, les encouragements d'Etsy que j'ai reçus tout au long de cette expérience, au lieu de me galvaniser et de m'encourager à poursuivre ont commencé à m'agacer. Sérieusement... Dans ce contexte d'échecs successifs, je n'ai pas su mettre mon énergie ailleurs ni imaginer d'alternatives au sein même de mon activité de vendeuse en ligne. Pourtant de la ressource, j'en ai, de l'imagination, aussi !😒

Alors, après ces lignes, quelle leçon tirer de cette expérience ? Je ne pense pas qu'il y ait de leçon à tirer de chaque expérience que l'on traverse. (On le dit souvent, pourtant.)  Pendant ces un an, j'ai pris le temps de m'apercevoir que la vente en ligne me stresse, carrément. Attention, j'adore l'idée de vendre : sur les salons, je suis hyper heureuse et fière quand quelqu'un.e vient m'acheter une de mes oeuvres graphiques, plastiques ou livresques. Sur site physique, je prends soin autant se faire que peut de mes visiteurs et de mes visiteuses. Manifestement, je suis plus à l'aise pour le faire en face à face. C'est assez différent pour moi quand ça se passe en ligne. 

Cela le devrait-il, en fait ? La vente en ligne (prolongement de la vente par correspondance) ne devrait pas être une plateforme tournante de l'arnaque caractérisée ; au contraire, elle pourrait être un vrai moyen alternatif de rééquilibrer la balance des inégalités de revenus et des capacités à agir... Je m'emballe un peu alors que je me suis promis d'écrire un compte-rendu utile ! 😉

Tâchons donc d'être un peu plus positive... Après l'expérience Etsy (qui m'a un peu chagrinée), je me suis dit que si je voulais (mieux) vendre en ligne, je devais peut-être me spécialiser dans quelque chose, pour être plus visible, mieux identifiable : être la vitrine d'un seul produit. Je n'ai pas trouvé ce fameux produit identitaire, pour l'instant. J'ai cependant continué de tenter ma chance/ poursuivre ma réflexion en actes, en ouvrant une boutique sur Facebook, le Ema Dée Shop, puis tout récemment, en créant un profil sur ArtMajeur. 

L'avantage de Facebook, me suis-je dit, c'est que je bénéficie déjà d'une communauté. Donc y trouver du soutien devrait être facile. Et bien, ce n'est pas automatique ! Surtout, animer une boutique de produits graphiques tels que les miens, même sur Facebook, demande quand même que l'espace soit régulièrement actualisé, et je pense que c'est l'un de mes manques : je ne peux pas (veux pas ?) m'y consacrer autant qu'il le faudrait. Déjà, pour déterminer, cette fameuse "spécialité" dont je serai la représentante... Serait-ce plutôt un service plutôt qu'un produit ? Question pertinente, n'est-ce pas ?... En outre,  j'ai du mal à ouvrir ma pratique, faire entrer plus systématiquent les internautes dans le quoditien de mon activité, avec par exemple, des vidéos où je me filmerais en train de faire les choses, dessiner, peindre, coller... - comme certaines.s le font excellement.

Sur ArtMajeur, je suis restée trop peu de temps. Cependant, j'ai su déterminer très rapidement (c'est un mieux ! ) pourquoi je ne souhaitais pas y maintenir mon espace artiste, la dissemblance, je veux dire, que je me suis rendue compte en créant mon profil que je n'avais rien à voir avec les artistes portés.ées grâce à ArtMajeur. J'aurai donc du mal à être mise en avant ou alors, au bout de combien de temps ?

Que faire ? Où donc aller ? Comment s'y maintenir et avoir confiance ? Faut-il continuer ?... Je n'ai pas de réponse, malheureusement. En faisant des recherches sur Internet, j'ai lu le compte-rendu d'expériences d'artistes assez différentes. Certains.es d'entre eux.elles ont ouvert une boutique sur plusieurs plateformes ; d'autres sautent d'une à l'autre - incessamment : j'ai découvert qu'il en existait beaucoup d'autres, d'ailleurs ! 

Pour le moment, j'ai dispose d'un espace chez Les-illustrateurs.com qui met à disposition une fonction Shop. Je me suis limitée à la vente en ligne de reproductions et d'impression Fine Art de petit format que je peux sans problème livrer et assez rapidement, au cas où une vente se manifesterait. L'intérêt est que cet espace forme un tout, puisque je profite de cette "vitrine" pour m'être en avant des caractéristiques "identitaires" de ma création en dessin d'art narratif et en illustration sur papier. Je paie un abonnement fixe pour un an, de date à date. Enfin, comme je ne suis pas encore rodée, à chaque fois que je me rends sur mon book en ligne, je découvre de nouvelle fonctionnalités proposées par l'hébergeur qui me donnent l'impression de gagner  en expertise, à mon rythme. 

Qui vivra verra !😊 

©ema dée  

Fin de mon exposition à la Serre Wangari : l'expérience de maintes explorations.

Voilà une semaine que s'est terminée mon exposition d'arts visuels Des(s)eins d'arbres, qui s'est tenue durant un peu moins de deux mois à la Serre Wangari (Saint-Ouen-sur-Seine). 

Au cours de cet événement artistique et culturel solo qui m'a permis d'exposer ensemble, pour la première fois, des oeuvres artistiques, des productions plastiques et graphiques et des livres imprimés en autoédition, je me serai autorisée bien des explorations. De l'idée d'installation, de la monstration d'une démarche pluridisciplinaire, enfin, de l'état d'une recherche - création, en objets, qui ont commencé à emerger dans mon esprit il y a dix ans, et qui se sont concrétisés au fil du temps et des découvertes. C'est une intention à laquelle je tenais beaucoup ; j'avais envie en effet de présenter non pas UNE manière de voir les arbres - artistiquement, mais un regard "cubiste" sur la Nature et le Vivant, à travers le prisme d'une représentation figurative mais aussi littéraire et tactile de l'arbre.  

L'exploration, il en a été aussi question lors de la proposition que j'ai faite d'une performance publique dans laquelle, installée comme dans mon atelier à la maison, j'a fait la démonstration du dessin d'arbres en direct. Pour cela, quelques jours avant la date de ma présentation, j'avais déambulé dans le parc autour de la Serre et dans les rues adjacentes, à la recherche de figurants. Des figurants ? C'est-à-dire des arbres, en particulier des frondaisons et des feuillages intéressants à partir desquels entamer une recherche formelle. Pour cela, j'avais réuni mes outils de prédilection, l'encre (acrylique, de Chine, Ecoline), le crayon gras de couleur, le tampon artisanal, et différents formats de papier blanc. Et, quelques jours avant également, j'avais enregistré la lecture d'une sélection de quelques-uns de mes textes créatifs - déjà autopubliés ou non. 

Dans mon idée, ma performance devait consister en une invitation lancée aux visiteurs et visiteuses de la maison de la nature et de l'écologie audonienne. Cela a eu lieu conjointement durant les Journées du Patrimoine et les Journées nationales des artistes. Chacun, chacune pouvait à loisir venir s'assoir sur une chaise pendant un instant, pour écouter les textes lus à voix haute, et me regarder faire mes esquisses, jusqu'au moment où je viendrai déposer à ses pieds l'un de mes arbres nouvellement dessiné. 

L'exploration, encore, car à la place d'un vernissage qui serait mal tombé au regard des dates du début de l'exposition, en plein été de canicule, j'ai préféré donner des rendez-vous à des connaissances, et je me suis proposée de leur faire la médiation orale ainsi qu'une visite commentée personnalisée de mon exposition. 

Ce fut l'occasion d'échanger des souvenirs ou des idées sur les arbres de notre connaissance, qu'il soit le personnage de chanson populaire, de films cultes ou bien, relié à une expérience plus intime ou à la recherche sur le Vivant et sa libre évolution notamment désirée par des personnalités telles que le botaniste et dendrologue Francis Hallé (1938 - 2025). Ce fut l'occasion aussi d'entrer plus profondément dans la présentation et l'explicitation de ma pratique du dessin d'observation, de la photographie documentaire, du livre unique, du graphzine et de l'assemblage.

A bientôt pour un prochain rendez-vous !

©ema dée 

"Dess(e)ins d'arbres", mon exposition solo dédiée aux arbres et au souvenir : c'est parti !

Chers.ères vous,

Comme annoncé, je reviens vers vous car l'installation de mon exposition à la Serre Wangari à Saint-Ouen-sur-Seine, est enfin terminée. Petites images de cette étape tant physique qu'intellectuelle qui s'est révélée Ô combien enrichissante ! En effet, pour la première fois, je dispose d'un espace qu'il est possible d'aménager assez librement, en tâtonnant, en se perdant un peu, parfois - tout en portant une attention, cependant, à la contrainte réelle que constitue la libre circulation du public dans la serre. Des familles. Des assistantes maternelles accompagnant de petits groupes de jeunes enfants. Des animateurs.trices... Des adultes jeunes ou moins jeunes, seuls.es ou accompagnés.ées, audoniens ou venant de villes voisines. Des visiteurs occasionnels ou des marcheurs réguliers... Des jardiniers. Des participants.tes à des ateliers. D'autres artistes. Des curieux.ses...

 Juin 2026 : tests de mise en scène des oeuvres avant la préparation et le positionnement des tables dans l'espace d'exposition.

J'ai souhaité qu'elle soit pensée comme une installation "in situ", c'est-à-dire qui utilise et valorise les ressources du lieu, en particulier, deux vastes tables en métal destinées à l'animation pédagogique d'ateliers, la petite bibliothèque de l'espace lecture, ou encore, du bois de récupération - laissé brut - avec lequel il a été permis de fabriquer plusieurs présentoirs. Ceux-là, dont je suis assez fière, sont le fruit d'une collaboration réussie entre Max Bussi, régisseur à la serre, et moi-même, autour de l'idée de la conception de portants adaptés et sur mesure, inspirés de présentoirs design ou fruits d'un questionnement sur la manière dont je souhaite que le public accède à/ reçoive mes oeuvres. J'aurai aussi puisé dans ses ressources naturelles : branches coupées aux arbres du jardin et conservées. 

Août 2026 : progressive mise en place avec une réflexion sur la ligne chromatique.

L'installation est en outre une invitation à déambuler d'espace sensible en espace ludique ou de méditation, sept, au total, si l'on compte l'entrée de l'exposition où livre d'or et flyers attendent les visiteurs. Le public trouvera des lieux où se poser pour consulter des livres comme diverses occasions de découvrir ma relation plurielle à mon Arbre - ou arbre dit "du souvenir", par exemple, sculpture - assemblage, carnets ou cahiers à feuilleter, écrits en prose.., séries de photographies. Des recommandations cadrent cette découverte rappellant à chacun.e de manipuler les objets avec précaution - et patience ! Enfin, des textes imprimés sur papier fluo prolongent la prise de contact avec les oeuvres, apportant quelques précisions sur mon processus de création et/ ou sur mon intention.

Août 2026 : progressive mise en place avec une réflexion sur le placement du petit mobilier d'exposition. 

Cette exposition est enfin pour moi la toute première expérience d'une collaboration avec l'équipe du lieu d'accueil. Ainsi, d'abord, Aurélie Morel, responsable de la Serre Wangari à qui j'ai présenté mon projet artistique il y a trois ans, puis, Mélina Oliver, responsable des événements et de la communication, qui s'est chargée de l'accompagnement administratif et logistique de l'événement. 

Ci-dessous, une vidéo d'1'31" réalisée juste à la fin de l'installation physique de l'ensemble de mes oeuvres, de la signalétique et de la décoration, et qui en propose un petit tour d'horizon. 

Rappel de l'adresse, des dates, des horaires :

*Exposition d'arts visuels Dess(e)ins d'arbres du 20/ 08 au 3/ 10/ 2026 inclus + Lecture - performance prévue le 19/ 09/ 2026 à partir de 18h30.

*La Serre Wangari
Grand Parc, face au 12bis rue des Bateliers, Saint-Ouen-sur-Seine
01 71 86 62 52

*Jusqu'au 29 août :
Ouvert mercredi, jeudi et vendredi de 10h à 14h et samedi de 10h à 18h.
A partir du 1er septembre :
Ouvert du mardi au vendredi de 12h à 18h et le samedi de 10h à 18h. 

 Au plaisir de vous y croiser ! Et bonne visite !

Photos et vidéos © ema dée 

Avis d'exposition d'arts visuels à la Serre Wangari : bientôt !

Dans quelques semaines à présent va débuter l'exposition "Dess(e)ins d'arbres"que je présente à la Serre Wangari, à Saint-Ouen-sur-Seine, dans la région de la Saine-Saint-Denis. Cette exposition d'arts visuels en ce lieu représente pour moi un événement important pour plusieurs raisons. Elles sont à la fois créatives, stratégiques, esthétiques et artistiques.

Créatives d'abord, en effet, car elle vient donner sa cohérence à une démarche de recherche-création sur la Nature, plus spécifiquement, sur la manière dont l'Arbre prend sa place dans mes souvenirs et prend forme(s) comme objet(s) graphique(s) et plastique(s). Je m'intéresse à sa représentation et la questionne depuis plusieurs années ; je réussis à l'intégrer dans une recherche universitaire grâce à la création, en Maîtrise de Création littéraire contemporaine (2014 - 2015), d'un premier abécédaire compilant des souvenirs et de très courts essais dans lesquels j'expérimente une sorte d'"écriture végétale". Ma réflexion aura reposé sur un travail conséquent, intérieur comme extérieur, à la croisée d'une recherche documentaire, littéraire et émotionnelle. Il m'aura fallu convaincre aussi du bien - fondé d'une telle investigation et de la potentialité de la création, dans un cadre académique, d'un langage tant visuel qu'écrit sur un sujet somme toute banal, et pourtant ! Que de perspectives se sont dessinées depuis l'écriture de mon poème A comme Ascension (d'un arbre) ! Que de questionnements l'individu arbre a-t-il soulevés depuis !

Les raisons sont aussi stratégiques car le lieu d'exposition, la Serre Wangari, maison de la nature et de l'écologie en ville, je le découvre il y a trois ans grâce à ma participation à un atelier sur comment cuisiner les plantes sauvages urbaines. Et ce lieu, je l'ai choisi. Création municipale, il entend contribuer à travers différentes propositions, conférences, ateliers, animations, rencontres, expositions, à l'éducation citoyenne à la préservation de l'environnement et à une attention portée aux écosystèmes "naturels" en ville. Montrer ici un ensemble d'oeuvres qui évoquent justement mon lien avec mon environnement quotidien, se christallisant autour de la présence des arbres et de mes souvenirs - de marches et de déambulations, par exemple, m'a paru en ce lieu, aller de soi. A cela, il faut ajouter que depuis un moment, je ressens le besoin lorsqu'il s'agit d'arts visuels et de production thématique, de trouver des lieux alternatifs, résonnant avec le contenu de la production que je souhaite présenter, en contrepoint de candidatures à des résidences de création ou des appels à contributions.

Esthétiques, ai-je dit ? Oui, il faut entendre par "esthétiques" le fait de vouloir un, montrer un univers artistique, deux, manifester le désir d'exposer au public des objets sensibles issus d'explorations variées autour de plusieurs médiums et protocoles en ateliers, trois, valoriser une certaine approche de la notion de beauté végétale :

- la photographie documentaire et récemment artistique : collecte d'images de paysages urbains, se focalisant sur les individus et leurs caractéristiques physiques ; interrogation de l'image documentaire à travers le prisme de l'outil (téléphone portable ou polaroïd) ;

- le dessin d'études d'arbres : somme de recherches réalisées avec des outils essentiellement graphiques sur papier - carnet de croquis, feuilles volantes - à partir de photos personnelles ou non ou "sur le motif";

- le dessin d'imagination, avec en résonance - en toile de fond,  comme embrayeurs -, les mots, l'abécédaire initial enrichi, les textes brefs écrits au fil de la recherche ou des articles extraits de manuels de Sciences de la vie et de la terre : ensemble d'images hétéroclites s'intéressant tour à tour à l'arbre seul, à la forêt, au corps de l'arbre dans son cyle de vie ou à celui du marcheur, de la promeneuse, dans une visée expressive, poétique ou parfois naturaliste ;

- pour finir, l'écriture créative : d'abord facilitée par l'invention d'un abécédaire présentant pour chaque entrée, la lettre de l'alphabet, un ou plusieurs écrits d'invention. 

Enfin, les raisons de ce geste, montrer une recherche sur plusieurs années encore en cours, un projet en work in progress, sont artistiques. En réaction à la problématique de porter une intuition de réalisations qui prend sa source dans un parcours individuel complexe, dans lequel, l'individu lui-même (moi) se découvre, se crée, s'invente, à travers ce qu'il fait, trouve, explore... Plus simplement, je désire exposer aujourd'hui un parcours : comment un projet autour de l'Arbre naît, quelles formes il prend à travers mes moyens d'expression, l'écriture, le dessin, le volume, la photographie, la recherche réflexive... et comment ces formes plurielles informent sur les orientations de ma recherche et sur ses diverses évolutions dans le temps. 

Qu'allez-vous pouvoir découvrir lors de cette exposition ? Qu'ai-je décidé de vous montrer grâce à cet événement artistique ? 

Comme je le sous-entends plus haut, ici, c'est une pratique pluridisciplinaire qui est mise en avant. Elle se présente en contrepoint de ce que j'ai pu laisser voir de ma création ces quatre dernières années, à savoir, des autoéditions de livres en textes-images, des fanzines et très rcéemment, mes premières livres d'artiste (Salon Made Anywhere (2), Festival Ecrire !). Aussi, l'événement pourra-t-il surprendre ou quelque peu désorienter celles et ceux qui me suivent sur les réseaux et/ ou qui m'ont rencontrée sur un salon, et qui pourront visiter mon exposition Dess(e)ins d'arbbres, à Saint-Ouen.

En bref : Chacun.e pourra manipuler des recueils (avec photos, dessins, textes et dessins ou textes seulement) sous la forme de carnets faits à la main ou d'édition plus classique, découvrir des sculptures d'arbres imaginaires de petit format ainsi que des objets inclassables, notamment une boîte à images/ à lire ou un extrait de mon atelier de monotypes. Toutes ses réalisations produites avec des matériaux ou des techiniques délicates parlent, en filigrane, d'une forme de reconnaissance que je ressens vis-à-vis de la Nature : elles seront par conséquent approchées avec soin, douceur - et attention !

Pour une première approche de certains de ces contenus à venir - réunis dans mon atelier autour de l'apellation "La boîte noire", c'est ici.

Rendez-vous le 20 août prochain !😉

© ema dée 

Achevé d'imprimer imminent du graphzine vert, L'arboretum imaginaire !

Chers internautes, passionnées bloggueuses,

Je vous en parlais il y a quelques semaines, je reviens ici pour annoncer une nouvelle qui me ravit : la série de graphzines que j'ai imaginée en 2024 s'agrandit avec un nouvel objet autoédité, à feuilleter - et à collectionner, assurément ! Il s'agit du #3 qui s'intéresse, pour sa part, au dessin d'arbres imaginaires. Mis en scène dans des compositions qui mêlent corps et fragments de corps féminins, paysages arboricoles stylisés et formes dessinées au trait, il s'inspire d'expériences vécues, pour beaucoup récentes, de promenades en région parisienne et en province. 

Comme pour le #2 qui inventoriait les "visages de la Peur" avec un trait rouge, précis et incisif, ce numéro-ci est conçu autour d'une couleur, le vert et sur la relation vide/ plein. Et, tout comme pour le graphzine précédent, j'ai produit un visuel de couverture plus abstrait. Par goût pour la recherche et le mélange de genres de graphismes. Je voulais ainsi, dès la couverture, donner le ton, celui de la présence de matières vivantes que le dessin, ma mémoire, auraient collectées. Enfin, parce que ma relation à l'arbre est plurielle, en résonance avec la diversité d'essences d'arbres qu'abritent encore notre planète, je me suis amusée à utiliser différentes nuances de la couleur verte. Pour ce faire, je me suis servie à loisir d'une variété d'outils graphiques et picturaux : marqueurs, feutres pinceaux, feutres fins, stylos à bille, feutres à alcool, feutres acryliques et crayons de couleur secs et gras. 

Petite nouveauté qui marque peut-être un tournant dans la poursuite de ce type de projet en micro-édition, le recours à un autre médium issu d'une discipline connexe à mes recherches en dessins sur les arbres, la photographie. A l'instar de ces morceaux de paysages verdoyants que j'ai dessinés à partir d'études et d'esquisses au crayon sur papier datant de 2020, traduisant une appréhension  - parfois humoristique ou tragique - de la relation arbre-corps et précieusement archivés, j'introduis une autre vision de l'arbre à travers une sélection de polaroïds volontairement pris sous une luminosité très forte, ou de canicule ou de ciel d'avant et d'après orage. Ce que je cherche en faisant cela ? Obtenir un document avec des contrastes forts, des lignes bien découpées ou au contraire, dont les contours seront brouillés, pour m'éloigner d'une image numérique qui a tendance, je le crois, à lisser ce genre de "défauts". 

Le graphzine L'Arboretum imaginaire, c'est une double - page de textes brefs poétiques ou non - inédits pour la plupart, ouvrant sur une suite d'images en style naïf et de vues photographiques de petit format présentées en vis-à-vis. En quelques pages, le recueil propose un cheminement graphique, visuel, et un cheminement plus intérieur - émotionnel. L'édition pourra être découverte dans le cadre de l'exposition que je prépare à la Serre Wangari, maison municipale de l'écologie urbaine audonienne, et dont je vous parle dans un prochain article. 

A suivre !

© dessin, textes et photographies ema dée

Matières colorées, objets plastiques et jeux... Le motif de l'arbre en folie !

Le concept créatif La boîte noire mis en oeuvre depuis la soutenance de mon mémoire de Master 2 Art contemporain et Sciences humaines à l'Université Paris 8 me permet de poursuivre l'exploration plastique et la production d'objets en relation avec le motif de l'Arbre. 

Avant d'en présenter quelques-unes, je souhaite revenir rapidement sur 1°) La Boîte noire ; 2°) Ce que j'entends par le motif de l'Arbre. 

1°) Ce qu'est La boîte noire.

C'est d'abord un objet matériel, une boîte archive de couleur noire en carton assez solide et de dimensions 3 cm x 33 cm x 47 cm. Hachetée dans une boutique d'articles de Beaux-arts en 2021, elle me permet de transporter les diverses pièces que j'ai produites au cours de mon mémoire de recherche de fin de second cycle universitaire : des études d'arbres au feutre et au feutre pinceau, des reproductions de photographies dcoumentaires personnelles mises en scène, un carnet d'empreintes, mon premier abécédaire de souvenirs particuliers Amoncelleries, projet de fin de Maîtrise en Création littéraire contemporaine, et la première version de Caractérologies, un ensemble de 26 arbres imaginés au fil du temps depuis 2014 et qui fait appel à un dessin au trait ou en aplats de noirs, questionne la relation vide-plein et l'idée de réalisme végétal. 

C'est ensuite une forme de métonymie renvoyant à mon cheminement  créatif - graphique, plastique et littéraire, d'une part, et d'autre part, intellectuel et émotionnel, autour de la représentation de la nature. Ce cheminement progressif et discontinu, qui part du besoin de s'écrire pour évoluer vers une nécessité de (se) consigner par le geste scripteur et symbolique, se cristallise autour du dessin de l'arbre.  

Aujourd'hui, La boîte noire continue d'assurer son double office puisque j'y conserve d'autres objets qui ont vu le jour depuis 2021, et j'y rattache l'ensemble des explorations auxquelles je me livre et qui concernent le motif de l'Arbre : graphzine, sculpture et pièces modelées, séries de dessins ou d'illustrations, mais également, nouvelles références culturelles et séries de photographies - numérique ou non. 

2°) Le motif de l'Arbre, c'est quoi ? 

Interrogée au cours de la préparation de mon abécédaire Amoncelleries sur l'arbre auquel je fais référence dans mes textes d'autofiction, je réponds en 2014 qu'il n'est pas pour l'instant d'une essence particulière. C'est l'arbre considéré tout d'abord pour ce qu'il est, tel que : un être vivant avec un corps, une organisation, des besoins, un milieu. Ce désir d'indéfinition est longtemps entretenu ; il s'explique par la volonté de ne pas écrire de textes de sylviculture, mais bien d'évoquer un organisme vivant avec lequel mes souvenirs aiment à dialoguer et dont la présence autorise qu'ils se déploient avec plus de fluidité et d'ampleur. L'arbre que j'évoque est comme une présence que ma mémoire localise pour accéder à des époques de ma vie, revolues, et dont il ne me reste que peu de traces. D'aucunes parleraient d'un "fétiche" (cf. Anna Seiderer, Docteure en Philosophie et Maître de conférences en Arts plastiques, UP8)

Ensuite, c'est l'arbre qui se révèle à travers le langage plastique, d'abord, le plus immédiat sans être le moins facile, l'arbre dessiné, puis l'arbre photographié en couleurs, enfin l'arbre en volume, modelé ou sculpté. Le motif de l'arbre doit être compris comme une quête, vers une ressemblance poétique, vers le développement d'un écosystème spécifique, vers une vérité de la sensation. J'expore autant des formes variées de représentations assez naïves que d'expressions privilégiant le fragment, ou encore, manifestant l'attention que je porte à une caractéristique. Cela peut-être le cycle des saisons, la couleur et la forme changeante des feuilles, ou encore, les détritus naturels tels que des morceaux d'écorces, de branches ou de feuilles mortes. 

C'est enfin l'arbre d'un point de vue anthropologique, c'est-à-dire la figure convoquée par ma mémoire pour en explorer ses abîmes, en toute sécurité. 

A présent, voici une sélection des travaux en cours et des créations terminées. Les premières gagnent en ambition, si je puis dire. Les secondes font l'objet d'une réactivation permanente dans le cadre ou de la préparation d'un salon ou dans la perspective d'une exposition d'arts visuels. Elles finissent elles aussi par se définir dans un entre-deux :

- 8 leporellos, huit tentatives de cerner la figure et la sensation

A la faveur de leporellos que j'ai fabriqués dans des chutes de papier aquarelle, je m'amuse à interroger ma relation au corps de l'arbre selon les saisons. Il y a du jeu, celui des matières colorées, celui des expériences faites avec de nouveaux médiums tels que la gouache - non encore travaillée dans ma démarche de création - ou réalisées à partir de documents photographiques précisément choisis, pour finir, celui du support qui cache et dévoile tour à tour. 

Chacune des trois productions exposées ci-dessus propose une manière de regarder et de représenter : l'aquarelle sera posée en touches colorées superposées, l'encre des tampons encreurs à l'aide de formes préalablement découpées dans des plaques de linoléum épais et très souple, pour finir, la gouache, en larges aplats légèrement texturés et en monotypes. Le choix des couleurs et des contours est motivé soit par un désir de ressemblance documentaire, soit par la recherche d'une expression poétique.  

- L'arbre de mon printemps

Cette pièce illustre parfaitement mon propos sur la procrastination appliquée que j'évoque dans mes récents articles sur le graphzine. Elle prend formes très modestement en 2023. A cette époque, elle n'est qu'une ossature de fils de cuivre récupérés dans l'atelier d'un l'artiste recupteur, D. Glingué, croisés et emmêlés ensemble et que retienne un très petit socle réalisé avec du plâtre de chantier, sur un coin de table. Puis, durant deux ans, la production en volume reste là, attendant dans un coin de ce même atelier, prenant la poussière et servant de refuge aux araignées. L'année dernière alors que je me désole de ne pas faire avancer cet objet en partie parce que je ne sais pas, une fois fini, où je vais pouvoir l'entreposer sans l'abîmer, un déclic. Qui se fait, par le truchement d'un autre projet au cours duquel j'utiliserai de la limaille de fer peinte à la bombe. Et par la découverte d'un autre matériau : de la poudre verte d'une texture semblable à du gazon finement tondu ou matière à floquer (s'utilise en modélisme pour la création de paysages). 

 

Au jour d'aujourd'hui, l'oeuvre figurative - un assemblage délicat de divers matériaux de récupération et de production - est quasi achevée. Il ne reste plus qu'à peaufiner la pose de la peinture acrylique et à intégrer une figurine en terre crue, que je conservais pour une autre pièce et qui vient trouver sa place là, près de l'arbre au tronc blanc, comme une évidence. 

- Mes boîtes à images ou Images en boîtes - Arboraissances

C'est l'histoire d'un jeu où il est proposé diverses expériences à partir d'un même contenu ; elles sont immédiatement visuelles, tactiles,  puis elles deviennent émotionnelles, intellectuelles - esthétiques ! Car, en ouvrant cette boîte de 2cm x  9, 5 cm x 9, 5 cm, on découvre quinze images toutes différentes - certaines sont tactiles - et un texte bref imprimé sur leporello dans lequel je revisite à ma manière la géographie des écosystèmes forestiers. La singularité de l'objet tient au fait qu'il soit sans détermination préalable dans son/ ses usage/s : on le reçoit comme on le veut et cela a le droit de varier dans le temps.  

C'est donc à chacun.e de le comprendre selon ses envies, ses préoccupations, son besoin. De mon côté, Arboraissances raconte en premier lieu l'histoire d'un workshop que j'ai suivi au sein de l'atelier Edition de l'ENSBA de Paris en 2021. J'y explorerai volontiers les divers modes d'impressions présents : jet d'encre, traceur très grand format, risographie, laser. Et ce, à la faveur de supports papiers variés dont je vais conserver longtemps les chutes, papier aquarelle à gros grain, papier inkjet d'un aspect proche du bristol, papier kraft brun uni, papier calque épais, papier dessin fin et très blanc... En second lieu, la boîte à images parle de ma manière d'envisager ma création autant dans l'écriture d'invention qu'en dessin ou en photographie : je valorise le fragment, procède de la bribe et, composant avec les vides, cherche à rendre visibles la matière du trait, la texture de la couleur, l'éclat du blanc du support...

- Les pots - pourris ou les mini - livres du sensible 

Dernières oeuvres produites entre 2025 et 2026, notamment dans la perspective du Festival Ecrire ! à Rennes qui s'est déroulé en février dernier, ces pièces-ci sont de plusieurs sortes, créées autour de l'idée de rassembler plusieurs traces dans un unique objet, relié à la main. Certaines compilent fragments de photographies et bouts de dessins personnels imprimés ; en outre, elles reçoivent un titre imprimé avec de très petits caractères typographiques en plomb. Enfin, une carte postale, détournée à l'aide de collages variés (textes imprimés, papiers décoratifs) accompagne chaque petit objet à lire. 

 

D'autres sont issues d'explorations nouvelles comme le monotype à l'encre de linogravure réalisé à partir de matériaux naturels ou issus de  la transformation de l'arbre. Là, intervient une autre caractéristique de ma production plastique, le petit format qui se fait contrainte ludique et adaptation à la rareté des matériaux utilisés. A l'intérieur de ces livres dits "du sensible" parce que j'y présente une relation à l'arbre à travers sa représentation sous différentes formes, figuratives et abstraites, je raconte des histoires de matières : ce sera notamment le récit bref d'un noir qui peu à peu envahit le blanc de chaque page ou celui d'une phrase qui ne se comprend que dans le défilement des pages successives. Pour ces objets livresques, je déploie tout mon savoir- faire dans la création de reliure cousue.( Ci-dessus, un exemple de reliure à la japonaise.)

© ema dée